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Llegó el tercer día de Festival, acompañado de importantes proyecciones y ruedas de prensa. Entre las películas que se han podido ver en sala destacan Zama, película argentina de Lucrecia Martel; I tempi felici verranno presto; Tierra de Dios, o Requiem for Mrs J, entre otras.

ZAMA, buscando volver a casa

La primera cinta de este tercer día nos llegaba de la mano de la productora El Deseo, en co-producción con Argentina y con el reclamo de ser la elegida para representar a dicho país en los Oscars. Zama narra la historia de Don Diego de Zama, un funcionario de la corona española que espera con ansia la llegada de una carta por parte del Rey que le permita volver a casa. Sin embargo, esta carta no termina por llegar, provocando una desesperación creciente en nuestro protagonista, cada vez más decidido a arriesgar todo lo que haga falta para conseguir dicho privilegio. La última película de Lucrecia Martel está basada en una novela de Antonio di Benedetto.

Si algo consigue transmitir Zama es ese mensaje de adaptabilidad a lo que te viene como método último de supervivencia. Un «el que la sigue la consigue» que parece impregnar la mente de un protagonista totalmente doblegado ante todo aquello que se le pone enfrente, le guste más o menos, para simplemente seguir manteniendo esa cada vez más mínima esperanza de alcanzar su objetivo. El problema viene cuando para ello, la película se pierde en una continua serie de situaciones burocráticas basadas en continuos diálogos del protagonista con los gobernadores. En el reparto consiguen destacar los españoles Daniel Giménez Cacho y Lola Dueñas, en un papel mucho más secundario pero que le permite robar la mayoría de sus escenas. La magnífica selección de localizaciones y el acabado técnico añaden algo de atractivo a una película que al igual que su protagonista, por más que persiste no logra alcanzar su meta.

Pudimos asistir a la rueda de prensa de la película con Agustín Almodóvar, Lola Dueñas y Esther García, donde comentaron varios datos interesantes. Por un lado quedó clara la enorme admiración que sienten todos hacia el trabajo de Lucrecia. Lola Dueñas hablaba maravillas de la directora argentina y de lo sorprendente y difícil de su trabajo. Comentaron que era increíble cómo podía ser a la vez tan «hondamente latinoamericana y tan hondamente universal», combinando lo local con lo global, hablando sobre clasicismo y modernidad.

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Agustín comentaba que tanto él como su hermano, tienen un «código de manejo» que les hace querer ir descubriendo, siempre buscando alejarse de lo literal, crear un cine más singular, algo que de por sí aumenta la dificultad de creación. Según Esther García, Zama es una obra que necesita digerirse después. Tiene mucho que contar.

Reflexiones sobre El Autor

Justo después de la rueda de prensa de Zama, en la terraza del hotel Hesperia de Sevilla tuvo lugar otra charla, esta vez con el equipo técnico y artístico de la película El Autor, sobre la que comentamos ayer aquí. A la rueda de prensa, entre otros, asistieron Manuel Martín Cuenca (el director), Antonio de la Torre, Javier Gutiérrez, Adelfa Calvo, Rafael Téllez, y hasta José Luis Perales, que inunda de música la película.

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Entre otras cosas Manuel comentó que, desde un principio, sabía que quería a Javier Gutiérrez para hacer de Álvaro. Y también que soñó que Antonio de la Torre interpretaría el personaje de Juan, cosa que se aseguró que se cumpliese de verdad. Manuel habló sobre la importancia de los personajes y de dejarlos ser, de no clasificar, concretar y definirlo todo, al igual que ocurre con el propio género de la película, sobre esa incesante necesidad que parece tenerse de definirla como comedia. La película es lo que es. Ya está.

Manuel también habló sobre la admiración que siente por el trabajo de Perales y de cómo al escuchar la canción Se me enamora el alma, contactó con él para que pusiese música a su película, ya que quería un gran compositor no de cine y José Luis Perales para él es directo, honesto y claro: «Me parece uno de los mejores compositores que ha dado este país».

perales

Una conexión mutua, ya que José Luis, según comentó, se empapó del cine de Manuel cuando este contacto con él y le gustó bastante lo que vio: «Me encantó ese tipo de cine. No es el cine comercial facilón, es un cine para mí muy interesante. Me recordaba un poco a las películas que yo veía en mi colegio cuando era adolescente, de Ingmar Bergman, ese tipo de cine que era tan de pensar, tan profundo, tan de silencios. Y a mí me encantó todo lo que vi de él». La tremenda injusticia, que también puntualizó Manuel, es que su música no pueda ser candidata a los Goya.

Para Javier, Antonio, Adelfa y Rafael, fue un placer poder participar en una película como esta. Javier comentó que Manuel era el mejor director de actores de este país y Antonio, aparte de comentar cómo surgió su participación en la película, mencionó que el personaje que interpreta en la misma, es uno de los más lúcidos que ha hecho en su carrera. Habló de la metáfora que es el cine, «un camino que nunca sabes por dónde te va a llevar». «Creo que esta película es muy generosa en todos los sentidos».

Tierra de Dios, un cordero con piel de cordero

También pudimos asistir al pase de la película Tierra de Dios (God´s own country), perteneciente a la Sección Oficial del Festival. Una película británica, de Francis Lee, protagonizada principalmente por Josh O’Connor y Alec Secareanu, que están soberbios en sus papeles. John, es un chico vive con su familia en una granja en la que cuida -o intenta hacerlo- de ovejas, ayudando en su crianza, y Gheorghe, un trabajador rumano que se muda con ellos una semana para trabajar en la misma tarea.

tierra de dios

La belleza que desprende el filme es arrolladora, y la química entre ambos actores resulta palpable. John emprende un camino de descubrimiento en su vida, un camino que rechaza, ya que le hace salir de su zona de comfort, y frente al que no parece preparado. Esa intersección, esa dubitación existencial que siente en su vida, explota con la aparición de Gheorghe y los encuentros que John mantiene con él. Tierra de Dios tiene paisajes inmensos, rurales, preciosos y extensos, pero a la vez tan íntimos que parece que estés interrumpiendo la magia con el visionado. Cada caricia, cada mirada, cada descubrimiento en el que pariticipan los protagonistas, logra sentirse. La evolución personal e interpersonal de cada uno, más exteriorizada y subrayada en el caso de John, va incrementándose de forma natural, realista y sincera en cada plano, con el devenir del paso del tiempo.

Tierra de Dios es todo un acierto de Francis Lee, y su elección de reparto no podía ser más adecuada.

I tempi felici verranno presto: fábula italiana con pequeños destellos de magia cinematográfica

Con una historia que se extiende a lo largo de los años, la cinta italiana nos presenta a dos personajes que se las apañan para escapar y vivir en el bosque. Un bosque que años más tarde terminará infestado de lobos y en el que desde tiempos inmemoriales se cuenta una misteriosa leyenda que habla de una relación entre un lobo y una chica. Con esta enigmática premisa se nos presenta la segunda película de Alessandro Comodin tras El verano de Giacomo.

Consiguiendo deslumbrar en todos y cada uno de los momentos en que apuesta por el aspecto fantástico y encantado de su planteamiento, la cinta se estanca en cuanto se aleja de ellos, optando por un acabado casi documental en amplias partes de su metraje que termina por no hacerle ningún favor a la obra en su conjunto. Pese a todo, I tempi felici verranno presto deja ver chispazos de genialidad en su manera de mostrar la historia, especialmente en todas las escenas en las que hace intervenir a la misteriosa chica de la que se narran leyendas.

Requiem For Mrs. J, la tragicomedia de una vida en sus límites

En otro tono, sumergiéndonos más en la comedia negra, encontramos Requiem for Mrs. J, una película serbia de Bojan Vuletic, el cuál se quedó con nosotros tras el visionado para responder algunas preguntas y comentar ciertos aspectos del filme.

Esta película está protagonizada por Mirjana Karanovic, que interpreta a una mujer con una gran crisis en su vida tras la reciente muerte de su marido. Durante todo el relato, lo único que persigue es poner fin a su vida, suicidarse, pero hasta esto le sale mal. Con una actuación correcta, de una mujer al borde del abismo más profundo, nos vemos inmersos en una historia en la que lo trágico se funde con situaciones y personajes cómicos, que producen un contraste continuo con nuestra protagonista. Tantos los ambientes como los diálogos, chocan con la realidad que está viviendo y, en ocasiones, resulta hasta surrealista. Hay varias escenas en las que, pese al drama subyacente de la situación, lo único que te provoca es reírte, ante el caos de la familia y el desorden existencial del hogar, ante lo soporífero y absurdo de la burocracia, ante la gran infinidad de problemas incesantes de la vida, que hacen imposible hasta dejar esta atrás.

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Bojan comentó cómo se informó de casos sobre depresión, y contó como él mismo llegó a sufrirla en momentos de su vida. También mencionó que, tal como aparece en la película, no es el caso de estar clínicamente enfermo, sino el de mostrar ese alma que se encuentra rota. Ese punto intermedio, esa pregunta que te hace dudar en un caso extremo, sobre qué es lo que te hace decidir si sobrevivir o suicidarte, y lo difícil de situarse en ese punto y dar una respuesta propicia. «A veces está en los pequeños detalles».

También estuvo comentando lo difícil de producir una película en su país, y que en estos casos siempre suele tenderse, como ocurre con esta película, hacia la coproducción, y también mencionó cómo quería que, tanto artística como técnicamente, en su equipo hubiese un gran número de mujeres trabajando, algo que dota de suma importancia al filme.

Wild Boys: la isla maravillosa.

Cinco adolescentes de buen estatus social cometen un salvaje crimen. En vez de acabar en la cárcel, un capitán holandés los acompaña a una misteriosa y mágica isla donde todo parece tener cualidades sobrenaturales, y donde eventualmente acabarán desterrados. Con este singularísimo planteamiento, Wild Boys consigue enganchar al espectador durante sus casi dos horas de duración. Con aires de provocación tanto en su tema como en sus formas, la película no se corta en casi nada, siendo especialmente explícita en materia visual.

Uno de los grandes atractivos y a la vez riesgos de la cinta francesa es su elección de cinco actrices para interpretar los cinco personajes masculinos que forman el grupo protagonista. Pese a parecer una elección algo arbitraria y simbólica, la jugada rápidamente comienza a dar sus frutos, con un enorme e ímplicito discurso en la película acerca de las diferencias de comportamiento social entre hombres y mujeres, y sobre todo a la decisión de no esconder su discurso en ningún momento, por agresivo que pueda parecerles a gran parte de los espectadores el reclamar una feminización del mundo como método para alcanzar y garantizar el bienestar y la seguridad de la mayoría de la población. Rodada en un elegante blanco y negro que le permite mostrarse casi atemporal, el filme no duda en incluir pequeñas escenas a color, con una exquisita fotografía de tonos malvas y anaranjados. En definitiva, una cinta que sorprende por sus ideas y que se posiciona como una de las películas más únicas y destacadas de esta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Western: las rencillas pendientes de una Europa rota.

Reclamada por el público como una de las grandes ausencias en las nominaciones a los premios de la Academia de Cine Europea anunciados el pasado sábado, Western llegaba a Sevilla con más expectación de la que parecía generar su sinopsis. Y efectivamente, las rencillas pendientes entre diferentes culturas europeas y la tensión generada durante la película no bastan para convertir a la cinta alemana en una de las grandes propuestas de este año, quedándose a medio camino entre el cine social y el thriller rural de tensión y violencia asfixiante al que la película parece destinada, pero al que nunca acaba de visitar.

Con un grupo de constructores alemanes perdidos por trabajo en un lugar remoto del campo búlgaro, Western se queda en un simple aunque efectivo discurso sobre las diferencias entre culturas. Seca en sus formas, el apartado visual tampoco consigue hacerle ningún favor a la propuesta, con una fealdad estética voluntaria que termina por impedir al espectador entrar en una historia que apenas se permite el mínimo gesto de empatía al espectador, más allá de alguna que otra escena convertida en alegato a la unidad cultural de una Europa rota por sus diferencias. Una gran propuesta de Valeska Grisebach que no consigue imponer su visión más tensa de la calma. A destacar la maravillosa actuación de Meinhard Neumann, un protagonista que termina por encima de la propia película.

Como está demostrado, este año en el SEFF hay propuestas muy interesantes, y cada día se descubren pequeños grandes tesoros.

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