lunes 30 noviembre, 2020
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    [SEFF17] Día 4: I love telling stories with pictures, not words

    Stories en el cuarto día del SEFF17

    Cuarto día en el Festival y hemos tenido un poco de todo. Por la mañana tuvimos dos ruedas de prensa, una con Francis Lee, el director de la maravillosa Tierra de Dios, que nos dejó la gran cita «I love telling stories with pictures, not words» y una posterior con el equipo del documental Murillo, el último viaje, que se estrenó este mismo día en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

    Reflexiones del creador de Tierra de Dios

    Francis Lee nos contó varias cosas interesantes sobre su película y sus intenciones sobre esta, como que él quería contar una historia emocional sin llegar a verbalizarla, algo que logra transmitir certeramente. En los actores protagonistas hay mucha verdad, como bien señalaron en la rueda de prensa, y además tuvieron un gran trabajo en cuanto a la creación de sus personajes y la adaptación de ellos mismos como actores del medio urbano a un entorno rural, que es el que predomina en la película.

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    Francis mencionó que la alegría del amor es mayor si tienes que pelear más por él, y creo que ese mensaje es algo que puede apreciarse claramente en la lucha interna y la exteriorización de ésta, que sufre el personaje de Johnny. Tierra de Dios es una película muy personal, según contó el director, en la que ese medio rural, esos paisajes, actúan casi como un personaje más, no como un mero fondo para la dramatización. A las preguntas sobre si se inspiró en Brokeback Mountain, película con la que suelen comparar Tierra de Dios, Francis dijo que es un honor que le comparen pero que, aunque Brokeback es preciosa y conmovedora, es muy diferente a su película, comenzando por las dificultades impuestas por la sociedad, algo que en su película no es lo que impera, la sexualidad no es un problema, el filme va sobre dos personas que se abren una ante la otra y desnudan su alma. Una intensa transmisión de emociones que se ve aumentada, además, por la falta de música. El director quería que el protagonista fuera el sonido natural, «no music score». Además dijo, entre risas, que así también era más barato: «We couldn´t afford Whitney Houston».

    Los silencios tienen gran peso en la película, sobre todo en ciertas escenas, y según se mencionó en la rueda de prensa, la palabra solo aparece cuando es necesaria. «I love telling stories with pictures, not words» Francis Lee.

    seff17

    Murillo, el último viaje

    Justo al terminar esta rueda de prensa comenzó la de Murillo, el último viaje, que contó con la presencia de José Manuel Gómez Vidal (director), Bernabé Rico (productor) e Isabel Ojeda (directora general de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla). Entre otras cosas, se comentó que el hecho de elegir a Murillo como eje central fue porque es un pintor barroco al que le fue bien desde el principio, sin grandes penurias o miserias -conocidas-, y ello ya de por sí era un riesgo. No había aventuras, acción, y resultaba un proyecto complejo porque, además, querían mostrar a un artista que según cuentan, es mal conocido. «Murillo es un artista que es para ese otro tipo de público». Según José Manuel: «Murillo es un artista mucho más complejo, poliédrico, de lo que nos han venido contando». Y querían que se contase de otra forma.

    Además de las ruedas de prensa, entre los visionados del día destacan El Mar nos Mira de Lejos, Algo Muy Gordo, que vuelve a reproducirse en sala, Corazón Puro, y el special screening en el Festival de la película Oro.

    Corazón Puro y flechas certeras en su centro

    Corazón Puro, perteneciente a la Sección Oficial del Festival, es una película de Roberto de Paolis protagonizada principalmente por Selene Caramazza y Simone Liberati.

    Agnese y Stefano, los personajes interpretados por estos jóvenes actores, son el centro de una vorágine de sentimientos encontrados y de todo tipo. Hay miedo, mucho miedo, de carácter muy distinto entre uno y otra. Agnese vive en un entorno cristiano bastante arraigado y estricto y, pese a que su deseo interior le pide hacer ciertas cosas, trata de luchar contra él por el bien de su alma y por respeto/miedo al pensamiento de su madre.

    corazón puro
    Fotograma de «Corazón puro»

    Pero Stefano, poco a poco, va destruyendo ese muro que Agnese construye a su alrededor, algo que consigue aumentar su fragilidad. La película tiene escenas preciosas y giros narrativos bastante interesantes. La cruda realidad que viven los personajes, de violencia, creencias extremas, miedo hacia la diferencia, conflictos internos y externos, está tratada de forma cruda, directa y naturalista, y es de agradecer en el cine de hoy.

    Oro, una expedición con ciertas carencias

    En cuanto a Oro, esa película dirigida por Agustín Díaz Yanes y protagonizada por Raúl Arévalo, Óscar Jaenada, Bárbara Lennie, José Coronado, etc., cabe decir que tiene algunas cosas muy buenas y otras que quizá se queden algo atrás.

    El reparto es fantástico, destacando sobre todo el trabajo de Arévalo y de Lennie, y la química que logran transmitir en sus coincidencias en pantalla. La película trata sobre la búsqueda por parte de unos soldados de El Dorado, una ciudad en la que todo, hasta los tejados de las casas, se cree hecho de oro. Durante la expedición, con ese objetivo tan claro en la mente de todos -o casi todos- los implicados, se producen conflictos de diversa índole, con los Indios ocultos por la frondosa selva, y entre los propios miembros del equipo expedicionario. La historia, de Arturo Pérez-Reverte, no está mal, pero a veces parece que va un poco a trompicones, con algunas escenas algo abruptas y repentinas, y al comienzo parece que el engranaje tarda un poco en arrancar.

    Tiene escenas muy buenas, ayudadas en buena parte por la música que las acompaña, y la mayoría del reparto hace un buen trabajo, aunque a veces se nota un poco de artificialidad en algunas situaciones y diálogos.

    Habrá más pases en el Festival para el que quiera juzgar la película por sí mismo y descubrir qué ocurre en Oro.

    Cafés con sabor europeo

    Tuvimos la suerte y la enorme oportunidad de tomar un café en el hotel Hesperia con Válerie Massadian (directora de Milla) y con Katharina Wyss y otros miembros participantes del filme Sarah plays a werewolf.

    Válerie nos contó cómo quería encontrar a una chica que protagonizase Milla, sin que esta fuese una actriz profesional: «el trabajo con ella fue un trabajo de vínculo humano, no de cine», no quería una dominancia director-actor, sino confianza mutua entre ambas. Al igual que Francis Lee, Válerie le dio más importancia a lo visual que a lo hablado: «yo no creo mucho en palabras, creo más en pequeñas cosas del cuerpo».

    Katharina, la directora de Sarah Plays a Werewolf también confiaba mucho en el trabajo de su actriz. Dijo que no quería mostrar un halo romántico rodeando el tema del suicidio, como tanto se ha hecho en cines o incluso en videoclips (puso un ejemplo de Lana del Rey). Habló sobre las localizaciones y los suicidios que se producen en ellas, en los puentes, decorados con flores en aquellos lugares en los que se perdió alguna vida, y cree que esta historia es, de alguna forma, un medio de darles una historia a esas chicas, («porque suelen ser chicas», comentó).

    Ambas películas tienen más sesiones el resto de la semana, y son unas propuestas interesantes, más aún después de todo lo dicho por sus creadoras.

    9 dedos: el que falta, ya lo pone el público

    Con una sinopsis que prometía grandes dosis de cine negro y persecuciones de órdago, 9 dedos se las apaña para no captar la atención del espectador en ni un solo momento de su metraje. Como una de esas películas de sobremesa, colocadas de fondo para hacerte compañía mientras te duermes tu buena siesta, la cinta francoportuguesa hace todo lo posible por tirar a la borda su premisa y quedarse en un mero pasatiempo, que pese a sus 99 minutos de metraje, se termina haciendo larga. Una de las grandes decepciones de este festival, si es que alguien esperaba algo grande de ella.

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    Fotograma de «9 dedos»

    Meteors: la lluvia de meteoritos que detuvo un conflicto

    Con un conflicto turco de fondo, este documental a medio camino de la ficción nos muestra la curiosa y fascinante historia de la lluvia de meteoritos que consiguió parar los enfrentamientos. Con gran parte de los ciudadanos convencidos de que los meteoritos estaban siendo enviados por los dioses como castigo a su incapacidad de conectar unos con otros de manera pacífica, Meteors fascina en la fantasía de su propuesta, con un impacto visual lo suficientemente grande como para perdonar la baja calidad de algunas imágenes, grabadas incluso con teléfonos móviles, procedentes de vídeos en streaming emitidos por cuentas anónimas de redes sociales.

    Decía su director, Gürcan Keltek, durante el coloquio posterior a la proyección que su intención era rescatar todos esos vídeos que parecían destinados a acabar en lo más profundo de Internet, para con ellos formar una historia completa. Y desde luego, ese objetivo lo consigue. Resulta increíble como algo tan externo e involuntario para una población como una lluvia de meteoritos termina generando una mentira política difundida y creída por todos para así hacer un parón en los conflictos. Hay algo de poético en esta historia, que termina por cautivar al espectador.

    Les Gardiennes: la guerra contada por las mujeres que se quedaron en casa

    1915. Con la Gran Guerra empezada y los hombres en el frente, madre e hija se ponen al frente de la granja familiar. La madre decide acoger a una joven huérfana para que les ayude en las labores al frente de la granja. Esta joven, Francine, cree haber encontrado por fin la familia que tanto necesitaba. Con este simple punto de partida, Les Gardiennes no parece tener mucho que mostrar, pero nada más lejos de la realidad. Si el cine ha explorado decenas de veces el mundo de la guerra contada por hombres, desde el frente, esta cinta francesa le pasa el testigo a todas aquellas mujeres silenciadas y casi sin voz a lo largo de la historia del cine.

    Fueron ellas las que sostuvieron las casas mientras sus padres, hijos y hermanos se encontraban jugando a ese gran tablero que es la guerra. Y es a todas esas mujeres, a las que esta historia les devuelve la voz. Con tres personajes femeninos magníficamente interpretados, Les Gardiennes brilla en todo lo que se propone. Son la paz y la tranquilidad de Iris Bry, las que sostienen este humilde pero gigantesco relato. Transmitiendo una serenidad escandalosa en cada plano que aparece, la debutante se convierte en la gran revelación de esta película, de este festival y quien sabe si del futuro más cercano del cine francés. No se quedan atrás las miradas de una Nathalie Baye inmensa en su papel de madre, ni esa rabia contenida por su hija, en la realidad y en la ficción, una Laura Smet que en cada escena parece querer soltar todo lo que lleva dentro de un solo disparo. En general, el reparto de la cinta francesa consigue un nivel de excelencia y complicidad que ya quisieran para sí muchas de las grandes películas bélicas.

    Con una brillante dirección de Xavier Beauvois, Les Gardiennes no solo luce en sus formas y su fondo, sino en prácticamente todo aquello que acompaña al relato, logrando que capa a capa se vaya alzando el nivel de la película exponencialmente. Si la fotografía de Caroline Champetier se permite dejar postales para el recuerdo, la música de Michel Legrand no es que se conforme con acompañar correctamente a las imágenes, es que directamente se permite el lujo de jugarse cada escena en sus partituras, haciendo más grande si cabe al personaje de Iris Bry, clave en toda la película. Un «el que pueda, que empate» de manual, dejando melodías para el recuerdo en esta decimocuarta edición del Festival de Cine Europeo. Con gran parte de la Sección Oficial aún por hacer acto de presencia, nos atrevemos a decir que Les Gardiennes tiene todo lo necesario para quedarse en la memoria de cualquier cinéfilo que se precie en esta ciudad. Ojalá consiga rascar algo este mismo sábado, cuando serán anunciadas las películas premiadas. Desde aquí, vamos a muerte con nuestras guardianas.

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    Fotograma de «Les Gardiennes»

    Daniel Lucena
    Productor Audiovisual y estudiante de Comunicación Audiovisual en Sevilla. Entre cine, series, cómics, videojuegos y fotografía paso el tiempo. Con amor eterno a Pixar y Marvel. Desde Cinema Paradiso y Lost in Translation a Cisne Negro y La Red Social. "Find what you love and let it kill you".

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